Гимн жизнелюбию в Русском музее
Сегодня открывается для посетителей выставка «Петр Кончаловский. Сад в цвету» (16+). Беспрецедентная панорама творчества знаменитого мастера — яркая, полнозвучная — развернулась в залах Корпуса Бенуа Русского музея. Представлены все главные шедевры живописца и в их числе портреты знаменитостей и всего многочисленного семейства художника, пейзажи, блистательные натюрморты. Произведения из Русского музея и других ведущих музеев страны дополнены работами из частных коллекций, незнакомыми широкой публике. Большую поддержку в создании уникального выставочного проекта оказало Министерство культуры РФ.
ФОТО Олега ЗОЛОТО/предоставлено пресс-службой Русского музея
Только шедевры
«Участие в выставке Петра Кончаловского восемнадцати музеев — невероятно важный для нас образец сотрудничества коллег из разных регионов, где хранятся шедевры художника, это возможность представить уникальные работы мастера в Петербурге. Мы благодарим частных коллекционеров, предоставивших работы на выставку. Они активно сотрудничают с федеральными и региональными музеями», — отметила на вернисаже Ольга Любимова, министр культуры России. Она напомнила, что буквально на днях в Русском музее завершила работу выставка Архипа Куинджи, которая пользовалась огромным успехом у зрителей, и вот главная сокровищница отечественного искусства показывает выставку другого любимого художника. «Это большой праздник для всех жителей Санкт-Петербурга и миллионов туристов, которые едут сюда, садятся в поезд или на самолет — и смотрят, что же сейчас, какая выставка работает в Русском музее. Это дает нам возможность и энергию, стимул и желание двигаться дальше — и, заканчивая один большой проект, всем вместе продумывать уже следующий», — уверена Ольга Любимова.
«Мы задумали эту выставку вместе с Министерством культуры и отобрали для нее только шедевры первого ряда, те произведения, которые можно отнести к самым лучшим работам Кончаловского. Здесь представлены все жанры, все периоды творчества, все главные шедевры», — рассказала Алла Манилова, генеральный директор Русского музея. Она сообщила, что музей продолжает исследование необъятного творческого наследия великой династии Суриковых — Кончаловских — Михалковых, которое началось в 2023 году с выставки Василия Сурикова в Русском музее, установившей рекорд посещаемости. А в прошлом году в Ярославле состоялась большая и очень популярная у публики выставка «Василий Суриков, Петр и Михаил Кончаловские», также подготовленная Русским музеем.
На открытии выставки «Петр Кончаловский. Сад в цвету» присутствовали правнуки мастера: народная артистка России Анна Михалкова, актриса Надежда Михалкова и режиссер Артем Михалков.
Художник — планета
Как рассказал «Санкт-Петербургским ведомостям» Григорий Голдовский, заместитель генерального директора Русского музея по научной работе, «Кончаловский — уникальная фигура в русском искусстве конца XIX — первой половины XX века. Художник испытал влияние многих направлений искусства своего времени, от импрессионизма до кубизма, но мы не увидим на его полотнах заимствований. Например, выстраивая кубистическое пространство, он вносит в него колористические акценты. Всю жизнь Кончаловский сохранял собственное представление о качестве живописи и живописной манере и никогда не отступал от сюжетов, которые его интересовали, в угоду веяниям времени. Он был художником натюрморта, жанрового портрета и городского пейзажа».
По поводу влияний: сохранились любопытные воспоминания художника Александра Лабаса, ученика Кончаловского, которые относятся к 1950‑м годам. Говоря об одном из коллег, Кончаловский заметил: «Талантлив, но живопись плохая. Вероятно, не прошел никаких «измов», когда нужно было, вот и результат».
Здесь уместно вернуться к продолжению (см. номер нашей газеты от 1 апреля) рассказа о биографии Кончаловского. После революции она не богата громкими событиями, подобными тем, которыми была насыщена его молодость. В 1919 году Кончаловский был назначен руководителем Государственных свободных художественных мастерских, вскоре они сменят название на ВХУТЕМАС. Он пригласил к преподаванию многих соратников по «Бубновому валету», в том числе Илью Машкова, Аристарха Лентулова, Александра Осьмеркина.
Как тут не вспомнить шутливую заметку еще одного из соратников — Александра Куприна, который сравнивал «Планету Кончаловский» с планетой Сатурн, притягивающей множество спутников.
Но жажда творчества заставила Кончаловского через три года покинуть административный пост, а затем и полностью оставить преподавание. Художник сосредоточился на занятиях живописью, иногда работая над декорациями для Большого и Московского художественного театров.
В 1932 году он приобрел дачу — бывшую усадьбу «Бугры» в Калужской области и много времени проводил там, занимаясь живописью, чтением, «фермерским» трудом и охотой. В «Буграх» были созданы знаменитые портреты композитора Сергея Прокофьева и писателя Алексея Толстого. Теперь это место так и называется — «Дача Кончаловского». Именно там находился сиреневый сад, высаженный еще прежним владельцем усадьбы «Бугры» Иваном Трояновским. Сирень стала любимым сюжетом натюрмортов Кончаловского. По сути, она и дала название юбилейной выставке.
Яркий талант, неоспоримый профессионализм, феноменальное трудолюбие, умение разговаривать с властями предержащими и быть принципиальным во всем, что касается творчества (отказался работать над портретом Сталина по фотографии: «Я художник-реалист»), создали редчайший в советской культуре феномен официально признанного художника, который занимался «чистым» искусством. Два характерных примера — картины «Купание конницы» и «Утро испанских пионеров». По воспоминаниям Кончаловского, «когда Реввоенсовет стал заказывать художникам картины к десятилетию Красной армии, мне предложили написать тачанки. Я отказался от тачанок, но сказал, что у меня есть собственная военная тема и я буду писать ее все равно, подойдет она или нет… и просил, чтобы мне дали пропуск для работы в кавалерийские части». Испанская тема появилась в творчестве Кончаловского в 1939 году после приезда в Советский Союз детей участников гражданской войны. Художник изобразил сцену в пионерском лагере, избегая политизированных «плакатных» примет. «Взяв из натуры случайное, обратить его в закономерное, — таков подлинный закон композиции в живописи», — говорил Петр Кончаловский.
Мастер ежегодно участвовал в самых престижных выставках в СССР и за его пределами. С 1922-го по 1951 год он провел пятнадцать персональных выставок в Москве и других городах. Кончаловский создал около двух тысяч картин, значительная часть из них не сохранилась: они были уничтожены самим художником. По воспоминаниям — возможно, апокрифичным, — Кончаловский всегда советовался с женой Ольгой Васильевной, дочерью Сурикова. И если она говорила «резать», то холст разрезался. В семье была атмосфера полного доверия.
Боязнь этнографии
Выставка построена по принципу, который можно назвать эмоциональным. В первом зале собраны главные шедевры мастера. Прямо у входа зритель видит три «контрастных» полотна — «Сирень в окне», «Полотер» и «Портрет В. Э. Мейерхольда». На одном полюсе умиротворенное изображение цветов как напоминание о романсе К. Р. и Чайковского «Растворил я окно». На другом — драматическое изображение уже опального театрального режиссера на фоне роскошного восточного ковра. Между ними «Полотер» — картина, созданная в 1946 году в духе фовистской молодости художника.
В этом же зале интересен контраст между ранним портретом художника Георгия Якулова и портретом писателя Алексея Толстого. Создавая в 1910 году портрет соратника по авангарду, Кончаловский заметил, что стремился «противопоставить излюбленной многими художниками миловидности, причесанности и прилизанности портрета то, что считалось, по общему мнению, безобразным, а на самом деле было чрезвычайно красивым». Изображение писателя называется «А. Н. Толстой у меня в гостях». Кончаловский соединяет умное лицо персонажа и подробное изображение снеди, как в натюрмортах старых мастеров. Толстой любил вкусно поесть, но еще важнее для него приятный собеседник — сам Кончаловский, который угадывается «по эту сторону» портрета.
По контрасту следующее пространство отведено рисункам и акварелям. По словам Натальи Козыревой, заведующей отделом рисунка Русского музея, «выставка показывает, как Кончаловский любил «живописать», как он любил сочную, мощную, фактурную, мясистую живопись. И одновременно — был мастером акварели, легчайшей, прозрачнейшей, состоящей из полутонов и как бы незаконченной, когда края листа остаются белыми. Для Кончаловского в акварели самое главное — схватить впечатление и передать кисточкой. В то же время композиция акварелей абсолютно выверена».
Таковы «Мойка. Трехарочный мост» и «Ленинград. Улица Белинского». Другая история — акварель «Бахчисарай», где филигранно использованы несколько оттенков зеленого — очень трудного цвета для художников. Акварель выглядит как законченная картина.
Рисунок «Ковка буйвола» был подготовительным эскизом для картины. Позже художник говорил о ней: «Помню, долго я ходил, смотрел по кузницам, как куют буйволов, какие устраиваются станки для ковки. Подковать буйвола — дело очень нелегкое и опасное, не хуже боя быков; если буйвол разорвет свои путы, кузнецам надо разбегаться, точь‑в-точь как разбегаются при бое быков… Писалось нелегко, потому что необходимо было уходить от бытового жанра, иначе непременно бы этнографией запахло, фотоснимком туриста, а этого я всегда очень боюсь в искусстве».
Отдельные залы посвящены последовательно пейзажу, натюрморту и портрету. В первом важно не пропустить серию масштабных декоративных панно на тему сбора урожая. Они принадлежат музею-заповеднику «Абрамцево» и впервые представлены в Русском музее.
В центре зала натюрмортов — ранние «Самовар» и «Хрусталь». Как говорил сам художник, «это, конечно, нелегкая задача, но впечатление металла, стекла, чего хотите блистающего, будет передано, если я вполне логично разложу все оттенки. Иллюзии обмана, разумеется, не будет, а реальность окажется налицо».
Среди портретов важное место занимает «Портрет Героя Советского Союза летчика А. Б. Юмашева». Художник и Алексей Юмашев познакомились в 1915 году, когда будущий авиатор посещал занятия в Обществе поощрения художеств. В 1937 году Юмашев участвовал в беспосадочном перелете из Москвы в США через Северный полюс. Портрет создан в 1941 году, когда летчик командовал боевой эскадрильей.
Финальный зал посвящен сирени. «Цветок нельзя писать простыми мазочками, его надо изучать, — говорил Кончаловский. — В цветах есть все, что существует в природе, только в более утонченных и сложных формах, и в каждом цветке, а особенно в сирени или букете полевых цветов, надо разбираться, как в какой‑нибудь лесной чаще, пока уловишь логику построения, выведешь законы из сочетаний, кажущихся случайными».
Созданную Петром Кончаловским феерию цвета и формы можно увидеть в Корпусе Бенуа Русского музея по 14 сентября. «Здесь, прямо в залах выставки, намечена огромная семейная просветительская программа. Чтобы посетители почувствовали невероятное жизнелюбие Кончаловского, его оптимизм, радость бытия в нашей самой красивой стране, аромат живописи, аромат сирени, аромат семейного уюта», — подчеркнула на вернисаже генеральный директор Русского музея Алла Манилова.
Читайте также:
Рыцарь живописи в Русском музее
Скульптор мира в Михайловском замке
Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 58 (8123) от 03.04.2026 под заголовком «Гимн жизнелюбию в Русском музее».
Комментарии